PUERTO MADRYN EN FOTOS

EL ARTE DE REFLEJAR LAS COSAS MINIMAS

Temáticas fotográficas es lo que más suele encontrarse, desde la tradicional fotografía de paisajes hasta la innovadora fotografía de dibujos creados por luces pasando por los cientos de efectos del estilo zooming que muchos han explicado tan bien en cientos de tutoriales que inundan la red.

Lo cierto es que todo, o casi todo, es fotografiable e incluso factible de ser catalogado en alguna de las tantas temáticas de las que hablábamos.

Hoy hablaremos de una de las más atractivas a la vista y, en apariencia, fácil de lograr; el minimalismo.


El minimalismo es, como su nombre lo indica, el arte de lo mínimo; lograr más con menos dirían algunos. Existe incluso como una filosofía de vida, ya que el punto de vista del verdadero minimalista es centrarse en unos pocos elementos esenciales de la vida ignorando todo lo demás.

Como pueden ver este tema ha sido explorado y explotado en varias ramas del arte, como la literatura, la música y la pintura.

Ahora bien, veamos lo que realmente nos interesa, esto es: el minimalismo en la fotografía.

En fotografía el minimalismo cuenta con varias escuelas de pensamiento que bien podríamos poner en discusión; algunos creen que tanto la definición como la ejecución del minimalismo en el resto de las artes plásticas debe ser llevado tal cuál está enunciado en éstas a la fotografía, mientras que otros coinciden en que en la fotografía el minimalismo está más abierto a la creatividad y que en tanto una imagen se encuentre centrada en un tema dejando de lado el entorno ya es minimalista. Esta última escuela de pensamiento incluiría entonces la fotografía macro.

Personalmente coincido con la primer corriente de opinión: menos información, un alto contraste con el entorno y, a menudo, el extremismo en la composición.

Otro punto de discusión que cobra gran importancia en este tema es el color, ya que este desempeña un papel fundamental en las fotografías minimalistas, aunque siempre la atención mayor está puesta en el objeto a retratar, el buen uso del color suele ser una gran ayuda extra.

Esto quiere decir que, si bien una foto minimalista bien hecha, con un objeto central preciso, será tan minimalista si la presentamos en monocromo como si lo hacemos en color, es muy posible que con la ayuda de colores contrastantes logremos un mayor efecto visual. Pero eso no quita que ambas sean consideradas minimalistas.

El minimalismo no solo está enfocado a la fotografía de objetos sino que también puede ser explotado en un ciento por ciento en la fotografías de retratos. Aunque como ya hemos dicho, la fotografía de retratos es uno de los estilos más difíciles de dominar, a esta le estaremos sumando un plus de dificultad al intentar hacerla dentro de la temática del minimalismo.

En su mayoría las imágenes que mejor logran reflejar el minimalismo en retratos son aquellas en las que se juega con las luces y las sombras, ocultando gran parte del mismo en las sombras y dejando una bella fotografía, aunque debemos reconocer que son algo extremas.

Finalmente, miremos algunos tips imprescindibles a la hora de realizar fotografías minimalistas:

1- Quitar las distracciones.
Todo lo que pueda ser quitado de una escena, quítalo. Siempre debe haber un único tema principal en la composición.

2- Tener un claro objetivo.
Si quieres imprimir un toque de luz especial o de color a tu imagen siempre debe ser dado en el objetivo principal, nunca debes desviar la atención con elementos o retoques extras.

3- Provocar reacciones.
El arte fotográfico no siempre debe decirlo todo, las mejores imágenes suelen dejar un marco de interacción con aquellos que las observan. Provoca a tus espectadores.

4- Jugar con las luces.
Tanto para resaltar como para ocultar tras las sombras las luces son una herramienta fundamental en la fotografía, cuánto más en este estilo que es todo un desafío.

5- Aprender a ver los detalles
Si bien una fotografía plagada de información y colores puede ser preciosa, el gran secreto del minimalismo está en revelar los detalles que se pierden en el resto de los estilos fotográficos. Aprende a encontrar la belleza de los detalles.

Con esta información, tu creatividad, un poco de ingenio y tu cámara, ya puedes salir en busca de tus fotografías minimalistas.

MAQUILLAJE DIGITAL

Nuestro socio Biagio Di Stefano, nos ofrece una lección rápida para dibujar el efecto de maquillaje digital en Adobe Photoshop CS3/4
12 pasos fáciles para los adictos a Photoshop y un resultado con realismo.

LIFTING DE CARA 1 - comenzamos duplicando la imagen de fondo (Ctrl/Cmd + J). Convertimos este duplicado en un objeto inteligente. Del menú nosotros escogemos Capa 


CEJAS PERFECTAS 2 - creamos una captura que escoge de las Capas de panel de menú "Acoplar visible" y sujetamos la tecla Alt. La esteticista no ha hecho una buena labor con las cejas. Con el instrumento de Clone Stamp activo, probamos un área de piel cerca de las cejas (Alt + clic) y clonamos el centro, todavía utilizando un pincel con la dureza 0%. Para tratar con imperfecciones debidas a cambios de brillo entre la frente y el área clonamos justo en cejas, utilizando el instrumento Healing Spot, haciéndolo de una manera
más agradable. Aplicando la herramienta quemar en las sombras, opacidad baja, hacemos el aspecto de las cejas más grueso y marcado.

LIQUIFY PARA NARIZ Y PÓMULO 3 - Ahora es tiempo de refinar la cara, reduciendo el pómulo. Escogemos del filtro 


CURVAS PARA BRONCEADO 4 - Para este propósito crearemos tres niveles de curvas de ajuste, escogiendo la opción pertinente en el panel de capas. En el primero de los tres niveles de ajuste, ponemos la salida a 84 y la entrada a 98. Hacemos click en la máscara de nivel de ajuste y lo invertimos, así que lo tenemos todo en negro. Pintamos en la máscara con un pincel blanco con la opacidad a 100%, la piel en las áreas que querríamos ver con más bronceado. Bajamos el nivel de la opacidad si deseamos un bronceado menos fuerte.


LABIOS MARCADOS 5 - En la segunda capa de ajuste que ponemos la salida a 90 y la entrada a 110. Invertimos la máscara y pintamos blanco en los labios, oscureciéndolos. Por último en el tercer nivel de ajuste ponemos la salida a 68 y la entrada a 148. Invertimos y escogemos un pincel blanco con diámetro muy pequeño; diseñamos el contorno de labios sin ser demasiado precisos. Seleccionamos el filtro 

REFLEJOS EN EL PELO 6 - creamos una nueva fotografía igual que hicimos antes, escogiendo de los Niveles de panel el menú "Merge visible" y presionando la tecla Alt. Hagamos el pelo: primero, agregamos reflejos, después creamos una nueva capa seleccionando del panel de menú, poniendo como un modo de mezcla "soft light" y marcando la casilla "Rellenar con color neutral Gris 50%". Escogemos un pincel blanco con la opacidad baja y pintamos algunas rayas verticales y onduladas en el pelo. También podemos variar la opacidad del cepillo para hacer los reflejos más o menos llamativos según la luz.

MÁS COLOR PARA EL PEINADO 7 - creamos una nueva capa de ajuste "matiz y saturación". Aumentamos la saturación para hacer el color más vívido. Entonces invertimos el ajuste de máscara para neutralizar temporalmente el efecto; Podemos considerar utilizar una tableta gráfica para esta operación. 

UN PUNTO DE BELLEZA, SI LO QUIERE AÑADIR 8 - Sería agradable añadir un punto de belleza a esta cara, por los labios. Seleccione un fondo negro y con un cepillo de 12 píxeles y la dureza al 0%, a un nuevo nivel, diseñamos un punto justo encima de los labios. Lo retorcemos para ajustarlo un poco más a la cara: Editar/transformar/distorsionar; dibuje las líneas en "transformar" para aplicar la deformación. Para hacer el punto más realista, aplique: Filtro 

UNA SONRISA BRILLANTE 9 - trabajemos sobre el color de los dientes, para hacer la perfecta sonrisa brillante. Seleccione la herramienta "sponge", marcar comocomo " desaturar" con el flujo a 50%. Pintemos los dientes, prestando atención a las gomas, para eliminar las marcas amarillentas. Los dientes ahora resultarán un poco grisáceos: podemos corregir esto seleccionando la herramienta la herramienta "dodge" y fijando la gama en "highlights" con exposición del 7%. Pintemos otra vez en el área blanca con un cepillo suave. No se preocupe si toca parte de los labios: la gama " Highlitghts" ayuda a no afectar a los tonos medios y a las sombras. Sea cuidadoso en no exagerar con esta operación, o perdería naturalidad.

MIRADA ATRACTIVA 10- Para dar al iris un color verde, creamos una nueva capa y ponemos el color de primer plano a C = 87% M=76% Y=0% K=0%. Pintamos el iris con el pincel, prestando atención a no cubrir el área blanca. Si esto sucede, no hay problema, la herramienta borrar lo puede corregir. Cambiamos el modo de mezcla a color y ponemos la opacidad entre 10% y 15%, de acuerdo a la intensidad que quiera dar.

MAQUILLAJE PARA OJOS Y CEJAS 11- Es obvio que este paso necesita ser repetido para ambos ojos. En una nueva capa pintamos el ojo negro con un pincel pequeño. Seleccionamos el menú Filtro/Blur/Gaussian blur con un radio de unos 4 píxeles. Marcamos el modo de mezcla en "multiply" y bajamos la opacidad a 80%. Creamos una nueva capa que incluya todas las de abajo en "merge". Ahora seleccionamos la herramienta lápiz, como "paths": creamos varias curvas pequeñas cerca de las cejas, como si quisiéramos dibujar algunas nuevas; mientras hacemos esta operación mantenemos el botón Ctrl/Cmd presionado y hacemos click para romper la trayectoria. Seleccionamos el color de las cejas con la herramienta, y ponemos el pincel entre 2 y 3 píxeles para ir al panel paths, y seleccionarlo. 

EL TOQUE FINAL 12- Aplicamos la sombra de ojos en una nueva capa, seleccionando el color que queramos (aquí se utilizó naranja oscuro), y pintando en el párpado y en el área superior del ojo. Cambiamos el modo de mezcla a color y seleccionamos la opacidad a 35%. Entonces, duplicamos la capa y seleccionamos del menú Filtro/Ruido/Añadir ruido, con un porcentaje bajo, y dejamos la casilla monocromo sin marcar. Damos un poco de sombra al área usando la herramienta "borrar" con un diámetro de 100 píxeles y dureza 0%. El modo de mezcla será entonces lluces suaves con opacidad 40%.

FUENTE: http://blog.fotolia.com/es/tecnicas/fotografia/fotolia-_retoque-_maquillaje_d.html

FOTOREPORTAJE: VISPERAS DE SEMANA SANTA

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ALZANDO VUELO.

                             

PARA MUCHOS PILOTOS TRABAJAR SOBRE SU AVION, MAS QUE UNA RESPONSABILIDAD, ES UN JUEGO SERIO.

YA EN LUJAN. LA BASILICA EN IMAGENES...

  

DENTRO DE LA BASILICA

Y EN SUS ALREDEDORES, UN POCO DE "STREET PHOTOGRAPHY":

Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país.

En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles.

En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan.

En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas.

En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema.

Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979).

La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético.

(Ansel Adams)

FUENTE: http://www.digitalfotored.com/fotografia/anseladams.htm

BODEGONES

El bodegón es uno de los temas fotográficos más exigentes de la fotografía profesional, pues requiere equipo y preparación técnica de alto nivel: sistemas sofisticados de iluminación, cámaras de medio y gran formato, un amplio abanico de accesorios como fondos, elementos de atrezzo.., por no hablar de los conocimientos necesarios para obtener el máximo rendimiento de tanto utillaje. Todo esto acaba por disuadir al aficionado, que raras veces se atreve a adentrarse en este mundo aparentemente reservado a los profesionales. Sin embargo, conseguir un buen bodegón se encuentra al alcance de cualquiera, vamos a verlo.

Es difícil que los aficionados, incluso con conocimientos se atrevan con los bodegones. Esto se debe principalmente a que en ellos el fotógrafo no se encuentra con nada hecho y debe construir por completo la totalidad de la imagen. En un paisaje, la iluminación o los elementos del mismo no dependen exclusivamente de nosotros, al igual que en el reportaje donde se trabaja con sujetos “fuera de control” bajo una iluminación dada.

En un bodegón, sin embargo, todo lo pone la imaginación de su autor, resulta de su capacidad para producir y crear la escena: primero con la acertada elección de sus objetos, prestando especial atención a sus formas, volúmenes, tamaños, colores y texturas; segundo con un perfecto dominio de la iluminación que cree la atmósfera adecuada y proporcione un toque especial a lo fotografiado, resaltando con fuerza sus características. Tercero, con una composición y encuadre elegantes fruto de una colocación armónica de los elementos y de un fondo acorde con ellos.

Estos tres factores (tema, luz y composición) resultan determinantes a la hora de conseguir una foto de bodegón que merezca la pena, pero no es cierto que debamos partir de planteamientos complejos y elaborados o que hagan falta equipos especializados. Los bodegones sencillos apenas son exigentes en este sentido; vale cualquier cámara analógica o digital equipada con una óptica zoom estándar que permita intervenir al fotógrafo en los controles básicos de exposición, diafragma y enfoque. La iluminación puede ser sólo natural, con lo que eliminamos la necesidad de saber iluminar, aunque algún esquema sencillo también explicaremos con el propósito de ayudar a quienes quieran hacer sus “pinitos” en el estudio.

Los requerimientos, sin embargo, en estos bodegones minimalistas de creatividad y saber hacer son máximos: no vale cualquier tema, iluminación ni fondo o composición, algo común a toda fotografía, pero que en el bodegón resulta todavía más evidente, en el sentido de que en este caso sí que tales factores se deben sólo al fotógrafo.

En otra clase de tomas el azar o la luz ambiente nos pueden echar una mano, en el bodegón los posibles fallos dejan al desnudo sin más nuestras carencias fotográficas. Lo que no es nada malo, muy al contrario, el bodegón es una escuela excelente para aprender y practicar la fotografía porque ayuda a resolver sus aspectos esenciales de forma y contenido, simplemente al plantearlos desde el principio como la única forma de construir la imagen fotográfica, esa mezcla de composición, luz y tema.

FUENTE: http://blog.fotolia.com/es/archive/001728.html

Henri Cartier-Bresson Nacido en Chanteloup (Francia) el año 1908 en una familia de clase media. Siendo todavía un niño ya se siente atraído por la fotografía. Estudia pintura y literatura en Cambridge, pero hasta 1931 no empieza como fotógrafo. Sus primeras experiencias con la fotografía empezaron con una cámara Kodak Box Brownie.

En 1932 adquiere su "maravillosa" Leica: el formato de 35 mm llega a sorprenderle y fascinarle. Henri llegó a cubrir de negro las partes niqueladas de su cámara para pasar inadvertido.

Se encontraba muy atraído por imágenes de fotografía de carácter deportivo, publicadas en aquel entonces por revistas francesas y alemanas de los años 30. Era un padre del fotorreportaje y junto a Robert Capa fue también el cofundador de la agencia Magnum Photos.

Poseía una gran capacidad única para capturar el momento efímero en que la importancia del tema se da a conocer en la forma, el contenido y la expresión. Lo llamó el momento decisivo.

Referente a su técnica jamás recortó los negativos, se positivaban completos, sin encuadrar ni cortar nada. Realizó fotografías en prácticamente todo el mundo y fue el primer fotógrafo en exhibir en el museo del Louvre, en París.

Publicó numerosos libros, es de destacar el publicado en los años 50 titulado "Images a la sauvette" que es todo un legado y compendio del significado, técnica y utilidad fotográfica.

En el año 1974, decide dar un cambio a su carrera como fotógrafo para volver a la pintura, su verdadera vocación desde la infancia. En sus últimos años de vida, crea junto a su mujer la Fundación Henri Cartier-Bresson, en la que recopila toda la obra que realizó en vida.

Henri fallece el 4 de agosto del 2004 a los 95 años de edad

PERSONAS_por Mauricio Grosso

FOTONATURA 1_ por Mauricio Grosso